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“Maria de Buenos Aires” (Opera-Tango)

“Maria de Buenos Aires” (Opera-Tango)

Precio entrada: 15 €

Artistas: Per Arne Glorvigen-Bandoneon, Julio Delgado- Duende, Carina Gringoli- Maria, Daniel Amaro- Tenor, Sergey Ostrovsky-Violin, Dzeraldas Bidva-Violin, Dmitri Tsirin-Viola, Matt Baker- Contrabajo, Elisabet Sirante- Piano, Alvaro Octavio- Flauta, Luis Regidor- Guitarra Electrica y Clasica, Andrei Pushkarev- Percusion, Adrián Luppi y Paula Villarroel
Fecha: 13 de septiembre, 20:00 h
Lugar: Auditorio Municipal
Descarga el tríptico del concierto

Programa

Musica Astor Piazzolla
Libreto Horacio Ferrer

Per Arne Glorvigen (Bandoneón)

glorvigenRadicado en París, se formó como acordeonista en la Academia de Música de Oslo Comenzó a estudiar el instrumento con Juan José Mosalini, en Francia.

PARIS.- El muy promocionado casamiento de Máxima Zorreguieta permitió a los argentinos conocer a Karen Krajanhof, el bandoneonista holandés que, en la ceremonia, interpretó impecablemente una versión de “Adiós Nonino”. Pero si el heredero del trono noruego hubiera elegido a otra bella muchacha criolla para compartir sus días y su futuro real, y no a la vernácula Mette Marit, quien hubiera aparecido en las pantallas para recoger las admiraciones, sin lugar a dudas, habría sido Per Arne Glorvigen, un excelente bandoneonista, por supuesto, noruego. Aunque en este hipotético caso la interpretación de una obra de Piazzolla habría contribuido a cimentar una imagen equivocada de Glorvigen, un músico con muchos perfiles e ideas que van bastante más allá del mundo del tango.

Residente en París desde hace 15 años, se formó como acordeonista en la Academia Estatal de Música de Oslo, “donde tocaba Bach, Grieg y arreglos y obras originales para el instrumento”, y tuvo su formación bandoneonística en la cátedra del Conservatorio de Gennevillers que dictaba nada menos que Juan José Mosalini, algo así como el gurú máximo del instrumento en Francia. Per Arne considera que es aquella formación académica la que le permite no reducir sus expectativas al tango. “Cuando llegué al bandoneón era porque quería tocar tangos. En Oslo había conocido las grabaciones de Salgán, de Piazzolla y del propio Mosalini. Pero, aun cuando comencé a tocar profesionalmente al poco tiempo, también quería buscarle al instrumento otras posibilidades.”

Desde hace unos años, entró en contacto con jóvenes compositores europeos para encargarles obras. “En julio de 2001, en el Concertgebouw de Amsterdam, estrené un concierto para bandoneón y orquesta del holandés Willem Jeths. Desde entonces, ya lo hemos repetido en cinco ocasiones y lo haremos tres veces más en este mes.”

Recientemente, en Leipzig, estrenó otro concierto para bandoneón del joven compositor alemán Bernd Franke. “Los dos son compositores actuales, con elementos tradicionales y contemporáneos en sus propuestas musicales y que están en busca de sonidos nuevos y diferentes para el bandoneón.” Con todo, aclara que, en la obra de Jeths, al final, en su última sección, “hay aires, ritmos y sonidos de tango. Quizás el público pueda haber estado impaciente a lo largo de toda la obra porque no había nada semejante a Piazzolla o a los sonidos de la música de Buenos Aires y la gente, cuando sabe que hay un bandoneón sobre el escenario, acude pensando que va a haber tango. Pero creo que, al mismo tiempo, hay que tratar de superar la “etapa Piazzolla”, lo que, para nada, implica que haya que excomulgar al tango de la sala de conciertos académicos”.

Entre el tango y lo clásico

Su vida entre el tango y la música académica presenta un antecedente de peso, pero en este caso vinculado muy estrechamente con Piazzolla. “Yo había tocado en óperas de algunos compositores franceses que incluyen el bandoneón en sus orquestas. Por lo tanto, dentro del mundo de la música clásica, el bandoneonista de más predicamento era yo. Fue así como Gideon Kremer se contactó conmigo para tocar la parte de bandoneón de un concierto para violín y orquesta de un compositor holandés. La obra se estrenó en el 94, en el Concertgebouw. Pero yo, además, había llevado conmigo, para los bises, arreglos de tangos de Piazzolla para violín, bandoneón, piano y contrabajo que tocaba con mi conjunto de cámara noruego. A Kremer le encantaron y, después de aquella presentación, ofrecimos por todo el mundo más de un centenar de conciertos con tangos de Piazzolla, para ese conjunto instrumental, y registramos cuatro compactos.

Y casi instantáneamente agrega: “Con Kremer, un violinista excepcional, aprendí muchísimo de música, pero nada de tango porque, como a muchos intérpretes clásicos que tocan Piazzolla, le falta todo lo que viene antes, desde lejos, desde Villoldo. Yo creo que para hacer bien a Piazzolla hay que saber hacer antes a De Caro o a Troilo. Del mismo modo como no se puede hacer bien a Stravinsky si antes no se pasó por Bach, Mozart y Brahms”.

En su currículum también figuran su participación excluyente en la reposición de la operita “María de Buenos Aires”, de Piazzolla, los conciertos que ofrece junto a los solistas de la Orquesta de París, con obras de Luis Naón, un compositor argentino residente en Francia, y apariciones como solista junto a las filarmónicas de Oslo y de Gotemburgo y la Orquesta Nacional de Rusia.

Ahora, dentro de dos meses, junto al Cuarteto Alban Berg, emprenderá una gira de conciertos para tocar una obra especialmente escrita por el compositor austríaco Kurt Schwertsik, para bandoneón y cuarteto de cuerdas, y “Five tango sensations”, de Piazzolla. Habida cuenta de que el Alban Berg llegará este año al Teatro Colón para tocar en el ciclo de abono del Mozarteum, no estaría mal agregarles a las maravillas habituales del cuarteto un sonido muy caro a los argentinos. Aunque sea fuera de programa y aunque sea con un músico noruego excelente que ya ha estado en siete oportunidades en el país y para quien los sonidos del tango son parte de su propia vida y a los cuales, sencillamente, les quiere agregar otras vidas.

Por Pablo Kohan
Para LA NACION
Fuente: http://www.perarne.net/

Daniel Amaro . Notas de un curriculum.

daniel-amaroDaniel Amaro ( Montevideo, Uruguay, 1950 ) creció como artista bajo el ala protectora de Rubén Castillo y su programa “Discodromo” (Canal 12 TV. Montevideo) a finales de los `60,

( “Tiene canas desde los catorce años y es nombre fundamental en nuestra música popular contemporánea (…) nació en La Unión un 15 de octubre y fue a la Escuela de Comercio y Cabrera. Su padre antiguo funcionario de El Día y su madre, profesora de piano viven en una alegre casita con jardín (…)Daniel tiene el humor juguetón y permanente y muchas ganas de volver siempre, es el creador de la ya clásica “A la ciudad de Montevideo”(…)cuando salga de esta entrevista estará volando hacia un país de sombras largas. Otras sombras quedan en el suyo. Me consta que le duelen.”
– Rubén Castillo en la introducción a una entrevista a D.Amaro publicada en Correo, 27.01.84)

. Iniciado en grupos de rock de la época, se integra como cantante y guitarrista en una de las bandas que fuera de las más populares en aquella efervescencia “beat” local, COLD COFFEE y en la que también participaron nombres como Helena Paglia, Quique Cano, Pippo Spera, Ernesto Soca o Chango Castro. (Período 1969 – 1971)

. En 1971 da comienzo su trayectoria como solista en el terreno de la canción de autor con músicas propias y textos de su hermano el actor y escritor Eduardo Amaro, poetas uruguayos y latinoamericanos y letras propias.

. Participa en varios de los muchos eventos de aquella abultada agenda emergente como los “Conciertos de la Rosa” de Carlos Martins, los “Desenchufazos” de Esteban Leivas y Hamlet Faux, las “Sesiones Experimentales de Sonido” de Deqo Nuñez o “Los Conciertos de Musikulta” de Ariel Leira, etc .

. Se traslada a Buenos Aires donde entre el `71 y `76 realiza la serie de espectáculos “Cardenal / El Katún del Poeta” sobre poemas de Ernesto Cardenal junto a Eduardo Nogareda y Washington Carrasco en los teatros de San Telmo.

(“Mi estimado compañero Daniel Amaro: Estoy sumamente agradecido contigo y con los demás compañeros que trabajan contigo, por el espectáculo poético-musical que han realizado con mis poemas, he tenido noticias de que es muy bueno, y que lo han hecho con mucho acierto y mucho cariño”. Carta de Ernesto Cardenal a D. Amaro desde Nuestra Señora de Solentiname, Nicaragua, 29.09.74)

. También puso música a los poemas de Nicolás Guillén en “Guillén” en el Teatro Payró de B.Aires y el espectáculo de Café Concert “Vaca de medianoche” junto con la mimo riverense Ilsa Prestinari con dirección de Carlos Perciavalle, en La Fusa. Y musicó a Julio Cortázar en una dificilísima adaptación a canciones : “Suite Cortaziana de Cronopios y famas”.

. Su canción “Reina de la plaza”, escrita con su hermano Eduardo y conocida popularmente como “ Palomita che”, editada en Argentina y Uruguay en 1972, se convierte en un acontecimiento musical en nuestro país y propicia una producción audiovisual en Discodromo, realizada en la Plaza Independencia que bien podría tildarse de ser todo una pieza precursora de los video-clips que llegarían en los ´80.

. Entre 1974 y principios de 1976 se aboca a la creación exhaustiva de un cancionero propio de marcado acento montevideano y rioplatense, con textos propios o de poetas, profundizando en las temáticas locales desde los sentimientos, las raíces comunes, la desazón y soledad de los momentos que nos tocaban vivir y el espíritu de lucha común que estos exigían, las llamó “tangueses” inspirándose en un poema de Carlos Maggi titulado “Tanguez”, al que también pondría música.

. En 1976, con ese bagaje de canciones aún inédito en Uruguay, viaja a España y se instala en Madrid. Desarrolla una continuada línea de actuaciones diarias en diferentes salas madrileñas en una época española muy proclive a prestarle atención a los cantautores con compromiso en lengua española. Junto a Joaquín Sabina y Juan Antonio Muriel forma un cartel de actuación diaria de gran repercusión en la noche madrileña en el mítico “Song Parnás”.

. Coincide con el cantautor Jorge Bonaldi (Los que iban cantando) en varias actuaciones conjuntas en el teatrillo “El Koya” de Madrid (Período 1976 -1978) en las que no pasaba inadvertido al público madrileño el compromiso de ambos cantautores con su raíz uruguaya. Bonaldi, a su regreso a Montevideo, difundiría la canción de Amaro “A la ciudad de Montevideo” que éste cantaba en sus actuaciones españolas y que aún no había interpretado antes en Uruguay. Meses después, Pepe Guerra (Los Olimareños) también grabaría una versión de la canción de Amaro, asi como también existen versiones de Washington Carrasco, Nancy Devita y otros artistas uruguayos y una versión a dúo entre Joaquín Sabina y Daniel Amaro en su álbum “Transatlántico”.

(“Si de nuevo me tocara/elegir para nacer/elijo el sitio escondido/tan chatito y tan perdido/que en el mapa no se ve/elijo Montevideo/aunque no sepa porqué/elijo Montevideo/para poderla querer/elijo Montevideo/para sufrir de tanguez…”).

. La canción, en esos años -1977- 1978 –, adquiere una gran popularidad en un Montevideo que vive momentos difíciles y busca resquicios de identificación que puedan saltarse los corsés que la dictadura imponía. Lo mismo ocurre en muy buena parte de la diáspora según las noticias que llegaban de los grupos de uruguayos residentes en Australia, USA, Francia, Suecia, Italia, México, etc.

(“Casuales casualidades/me llevaron a nacer/en un lugar escondido/tan chatito y tan perdido/que en el mapa no se ve/al nacer era tan joven/que no supe comprender/las ventajas hemisféricas/entrando por Sudamérica/me puse el mundo al revés/era el más joven del mundo/por eso me equivoqué…”)

. Entre 1977 y 1980 recorre todo el territorio español junto a artistas como J. Sabina, L.E. Aute, o Víctor Manuel y Ana Belén.
En 1978, registra un disco de 45 rpm en Madrid, con arreglos del argentino Alberto Nuñez Palacios y producción de Esteban Leivas, que incluye la primera versión de “A la ciudad de Montevideo” grabada por su autor. El disco lo editaría ese mismo año RCA en Montevideo con un diseño de carátula de Marco Maggi.

. Vuelve a Montevideo y realiza dos recitales en diciembre de 1978 acompañado por los músicos Jorge Galemire, Gustavo Echenique, Marcos Gabay, Helena Paglia, Miguel Trillo, Raúl Beya, Irene Kauffman y Juan Carlos Varela, con producción de Mario Morgan. El recital de la Sala Notariado del 20 de diciembre quedó reflejado en uno de los primeros trabajos grabados en vivo en el Uruguay, el LD “Recital a la ciudad de Montevideo-Daniel Amaro en vivo” que editara el sello Ayui en 1979.

(“Sus tangueses ya no son suyas, son de todos…por la sencilla razón de que todo aquel que alguna vez haya dejado partes de su triste alegría caminando las calles de nuestra ciudad inclinada al sur, elegiría lo mismo, de que todos y cada uno de nosotros elegiríamos lo mismo si nos tocara de nuevo, aunque sólo fuera para sufrir de tanguez…”. Esteban Leivas en la contracarátula del disco.).

. La carrera de D.Amaro continúa en España de 1979 a 1982, desde donde viaja para actuar en Italia, Francia y Portugal.

. En 1983, detrás de quien es hoy su compañera y madre de su dos hijos, Amaro viaja a la ciudad de Bergen en Noruega, donde reside desde entonces. Realiza gran cantidad de recitales llevando siempre con él sus “tangueses”. También participa en “Maria de Buenos Aires” la opera tanguera de Astor Piazolla y Horacio Arturo Ferrer junto con el propio Ferrer y Julia Zenco.

. En Noruega graba “Mares y abismos” (sello Sondor) una larga canción de amor a Montevideo.

. En 1985 graba en Uruguay el LD “El tiempo del desprecio el tiempo de abrazar” (sello Sondor) con algunos de los músicos uruguayos más significados y con ellos lo presenta en el Teatro Stella d` Italia.

. Desde 1986 al 1994 actúa por todo el territorio escandinavo y otras zonas del norte de Europa junto a un grupo muy cualificado de músicos noruegos que se suman a la idea de las tangueses de Amaro.

. Con ellos graba entre 1992 y 1994 el álbum “Trasatlántico” que incluye “A la ciudad de Montevideo” cantada a dúo con Joaquín Sabina (“Elijo Montevideo/para cantar con Daniel…” improvisa el andaluz en esta versión) y “Héroes de la independencia” con Luis Eduardo Aute en Madrid, editado en Noruega en 1996 y en Uruguay bajo Aldo Novick Producciones en 2001.

. En 1995 actúa en Buenos Aires (Gran Rex) y Montevideo (Teatro de Verano) como invitado de Joaquín Sabina en la gira de su álbum “Esta boca es mía”.

. En 2007 graba en Noruega su álbum “Uno y su corazón”, editado en el 2008 en Uruguay por el sello Perro Andaluz.

(“…hay un manojo de canciones escritas desde el corazón, “patria de los sentimientos”,como dice Daniel. Algunas tienen ese perverso espíritu de tango, que nuestra generación definió como tanguez, hay también casi boleros cabezones y reos, transiciones jazzísticas de los noruegos que le acompañan y que tocan como mil demonios (…)decía Daniel que en las canciones no caben muchas explicaciones y que este cd era una manera de revertirla soledad, porque las canciones no cambian el mundo pero ayudan a vivir…” – Atilio Pérez da Cunha, “Macunaíma”, en el texto de presentación que acompaña la edición uruguaya del álbum).

. Junto con el comunicador y escritor uruguayo radicado en Valencia, Esteban Leivas ( ( ( Leivas ha sido productor discográfico, ha trabajado en radio y televisión, ha escrito para editoriales españolas, colaborador en prensa, guionista, creativo publicitario, realizador de spots comerciales de TV, etc) con quien le une una amistad de casi cuarenta años, ha dado forma a un nuevo proyecto en el que reunieron una parte del buen montón de canciones que han compuestos juntos (Leivas las letras y Amaro las músicas) desde que en 1978, en Madrid, hicieran una canción entre los dos por primera vez. Se trata de un grupo de canciones de arraigos y desarraigos, de recuerdos sin nostalgia y de nostalgias sin sentido, de amores, soledades, personajes, identidades, encuentros, amistades y viajes de ida y vuelta del corazón.

(“Tengo una patria allá en la infancia/la sensación de distancia/que no quisiera tener (…) raíces en dos orillas/una mesa y muchas sillas/y una puerta por abrir…”, canta Amaro en “Milonga de lo que tengo”).

. El proyecto que ha servido para un trabajo intermitente de creación , adaptación y sugerencias – así como también de ejercicio de la amistad – en los últimos años entre Amaro y Leivas, ha sido posible gracias a la utilización positiva de las nuevas tecnologías.

Portugal.

. En 1983, detrás de quien es hoy su compañera y madre de su dos hijos, Amaro viaja a la ciudad de Bergen en Noruega, donde reside desde entonces. Realiza gran cantidad de recitales llevando siempre con él sus “tangueses”. También participa en “Maria de Buenos Aires” la opera tanguera de Astor Piazolla y Horacio Arturo Ferrer junto con el propio Ferrer y Julia Zenco.

. En Noruega graba “Mares y abismos” (sello Sondor) una larga canción de amor a Montevideo.

. En 1985 graba en Uruguay el LD “El tiempo del desprecio el tiempo de abrazar” (sello Sondor) con algunos de los músicos uruguayos más significados y con ellos lo presenta en el Teatro Stella d` Italia.

. Desde 1986 al 1994 actúa por todo el territorio escandinavo y otras zonas del norte de Europa junto a un grupo muy cualificado de músicos noruegos que se suman a la idea de las tangueses de Amaro.

. Con ellos graba entre 1992 y 1994 el álbum “Trasatlántico” que incluye “A la ciudad de Montevideo” cantada a dúo con Joaquín Sabina (“Elijo Montevideo/para cantar con Daniel…” improvisa el andaluz en esta versión) y “Héroes de la independencia” con Luis Eduardo Aute en Madrid, editado en Noruega en 1996 y en Uruguay bajo Aldo Novick Producciones en 2001.

. En 1995 actúa en Buenos Aires (Gran Rex) y Montevideo (Teatro de Verano) como invitado de Joaquín Sabina en la gira de su álbum “Esta boca es mía”.

. En 2007 graba en Noruega su álbum “Uno y su corazón”, editado en el 2008 en Uruguay por el sello Perro Andaluz.

(“…hay un manojo de canciones escritas desde el corazón, “patria de los sentimientos”,como dice Daniel. Algunas tienen ese perverso espíritu de tango, que nuestra generación definió como tanguez, hay también casi boleros cabezones y reos, transiciones jazzísticas de los noruegos que le acompañan y que tocan como mil demonios (…)decía Daniel que en las canciones no caben muchas explicaciones y que este cd era una manera de revertirla soledad, porque las canciones no cambian el mundo pero ayudan a vivir…” – Atilio Pérez da Cunha, “Macunaíma”, en el texto de presentación que acompaña la edición uruguaya del álbum).

. Junto con el comunicador y escritor uruguayo radicado en Valencia, Esteban Leivas ( ( ( Leivas ha sido productor discográfico, ha trabajado en radio y televisión, ha escrito para editoriales españolas, colaborador en prensa, guionista, creativo publicitario, realizador de spots comerciales de TV, etc) con quien le une una amistad de casi cuarenta años, ha dado forma a un nuevo proyecto en el que reunieron una parte del buen montón de canciones que han compuestos juntos (Leivas las letras y Amaro las músicas) desde que en 1978, en Madrid, hicieran una canción entre los dos por primera vez. Se trata de un grupo de canciones de arraigos y desarraigos, de recuerdos sin nostalgia y de nostalgias sin sentido, de amores, soledades, personajes, identidades, encuentros, amistades y viajes de ida y vuelta del corazón.

(“Tengo una patria allá en la infancia/la sensación de distancia/que no quisiera tener (…) raíces en dos orillas/una mesa y muchas sillas/y una puerta por abrir…”, canta Amaro en “Milonga de lo que tengo”).

. El proyecto que ha servido para un trabajo intermitente de creación , adaptación y sugerencias – así como también de ejercicio de la amistad – en los últimos años entre Amaro y Leivas, ha sido posible gracias a la utilización positiva de las nuevas tecnologías.

( “Sin el Skype, el Mobile me, el We transfer, los e-mails, el WhatsApp, facebook y todo lo que utilizamos para que el no estar en la misma ciudad y que no siempre coincidían los tiempos no fuera una barrera para la fluidez de crear juntos, compartir ideas y por qué no, también unas risas de vez en cuando, difícilmente podríamos haber hecho esto a plena satisfacción de ambos, así le dimos forma a una casi cuarentena de canciones que sumamos a las ya hechas con anterioridad”, opinan ).

. El nuevo álbum de Daniel Amaro que registra un resumen de ese trabajo se llama “Transeúntes” tomando como centro una larga canción, a modo de “canción río” que se titula “Canción de transeúntes” que llevó un arduo trabajo de producción para lograr la sencillez buscada y el encaje de sus diferentes partes.

(“Y así llegamos/ con ardor en las entrañas/el fuego apagando el agua/el corazón en la mano/ y en la otra un pasaporte/gastado por la ilusión/y desde ayer caducado…/ Y así volvimos/ sin demasiadas respuestas/las heridas aún abiertas/y el mismo viejo del piano/sin que ya a nadie le importe /tocando aquella canción/ que hace volver al pasado…”- Canción de transeúntes)

. El nuevo cd de Daniel Amaro y su banda Transatlántico, integrada por excelentes músicos noruegos – Stein Inge Breakhus (batería), Erik Halvorsen (piano), Asbjorn Rudd (guitarra), Sveinung Hovensjo (bajo) – se edita en abril de 2012 en Noruega y se está en negociaciones para su edición en Uruguay, Argentina y España en los próximos meses.

. Daniel Amaro abanderado de la tanguez (“se canta lo que se pierde” dice, mencionando a Machado) es punto de referencia de gran importancia en el momento de recorrer el extenso y rico panorama cultural de la música popular uruguaya.

( “La música popular uruguaya no es pródiga en vozarrones. Abundan los sutiles cantautores de voces delicadas como Darnauchans, Cabrera o Drexler. También contabilizamos las anti-voces de intérpretes tan personales como Mateo, Masliah o Roos. Rada es un gran vozarrón, sin duda, como lo fue Julio Sosa. Y tenemos dos tenores tan potentes como el Canario Luna o Braulio López. Pero son los menos. Daniel Amaro es, definitivamente, uno de esos pocos vozarrones, disfrutando de una garganta superdotada, con amplitud de registros, generoso volumen y variedad de colores…” – Elbio Rodríguez Barilari en El País , 2008 ).

Carina Gríngoli

carinagringoliCantante y gran intérprete de la música argentina, conocida por interpretar el papel protagónico de la ópera tango María de Buenos Aires, de Astor Piazzola y Horacio Ferrer, presentada con gran éxito en distintos teatros de la provincia de Valencia, como el Palau de la Música, bajo la dirección del maestro Pablo Zinger.

Interpreta Tango Apasionado junto al director Sergio Alapont, compartiendo escenario con Ginesa Ortega en Amor Brujo.

A su llegada a España la contratan varias orquestas, entre ellas la orquesta Canadá en Galicia y la orquesta Carrusel en Valencia, allí aprende varios estilos de música: boleros, jazz, pop…musicales.

Carina nace en Río Ceballos, Provincia de Córdoba – Argentina, comienza desde muy temprana edad a demostrar talento por la música y con tan solo 4 años se inclina por el piano, que de forma natural sacaba de oído pequeñas canciones infantiles, más tarde empieza a relacionarse con el ambiente musical, estudiando piano, solfeo, danza folclórica y estudios de percusión en el Conservatorio Provincial de Música.

Las lecciones más importantes las aprendió de su propio padre, cantante aficionado al tango fallecido cuando ella tenía 14 años.

Desde pequeña tuvo siempre la guía del conocido músico y cantautor argentino Nelson Siani.

Siguen sus presentaciones en su colegio y simultáneamente para el coro de la iglesia de su ciudad.

Desde muy joven comienza su carrera como solista folclórica, ganando importantes premios en su ciudad, entre ellos: EL FESTIVAL NACIONAL DE FOLKLORE PRE- COSQUÍN 94.

En España, forma un Dúo junto al director Pablo Zinger y es invitada como solista para el septeto Nuevo Tango Zinger Septet.

Fue acompañada por famosos guitarristas argentinos, como Juan Falú y Jorge Cardoso.

En Valencia lleva muchos años trabajando, en distintos lugares como la Casa de Cultura de Xátiva, para diferentes asociaciones, y para el programa de verano de Moncofa con un espectáculo llamado: Raíces de Iberoamérica junto al guitarrista Julio Delgado.

Carina Gríngoli es intérprete de las grandes canciones argentinas e iberoamericanas, su pasión por la música hace llegar a la gente, ella define su estilo como cantante de canciones que dejen algún mensaje.

Sergey Ostrovsky

sergeyDescrito por Isaac Stern como ” .. uno de los más destacados violinistas israelíes”, Sergey Ostrovsky nació en 1975 en Rusia en una familia de músicos. En la actualidad ha consolidado una carrera activa y exitosa como primer violín de Aviv Quartet, solista, profesor de violín y música de cámara en la Haute École de Musique de Ginebra (en Neuchâtel) y primer concertino de la Orquesta del Palacio de las Artes de la Comunidad Valenciana.

Como primer violinista y fundador en 1996 del Aviv Quartet, Sergey ha ganado varios premios en competiciones internacionales, como el Gran Premio en el 3r Concurso de Música de Cámara de Melbourne, el Concurso de Cuartetos de Cuerda de Burdeos, el Concurso Primavera de Praga, el concurso “Schubert y Modernidad” en Graz, Austria, así como el Premio Israelí del Ministerio de Cultura, del Ministerio de Educación de Alemania y el Premio Anual de Música de Cámara del Pais Lottery de Israel .

Con el Aviv Quartet Sergey ha actuado en todos los continentes, el Carnegie Hall y el Lincoln Center de Nueva York, el Kennedy Center y la Biblioteca del Congreso de Washington, la Sydney Opera House, el Wigmore Hall y el Royal Festival Hall de Londres, el Auditorio del Louvre y Teatro du Châtelet en París, el Wiener Konzerthaus, en la Philharmonie de Colonia, giras de conciertos en Sudáfrica, Australia, Canadá, China, Estados Unidos, Brasil, Polonia, Croacia, Hungría, Austria y muchos otros países. Ha participado en festivales como Verbier, Aix-en-Provence, Storioni, Festival de Davos, Festival de Cuartetos en Luberon, Folles Journées de Nantes. Asimismo ha realizado varias grabaciones en los sellos Naxos (F.A. Hoffmeister, Erwin Schulhoff, Erno Dohnanyi) y Dalia Classics (Shostakovich). Durante los 15 años de una exitosa carrera, el cuarteto es conocido como uno de los cuartetos de cuerda de primera clase en los escenarios de música de cámara en todo el mundo.

Sus apariciones como solista incluyen la Orchestre de la Suisse Romande, la Orquesta Filarmónica de Israel, la Filarmónica de Ciudad del Cabo, la Filarmónica de Johannesburgo, la Filarmónica de Brooklyn, la Sinfónica de Jerusalén, la Orquesta de Cámara de Israel y la Orquesta Filarmónica de Moscú, y muchas otras, con directores como Zubin Mehta, Yoel Levi, Hugh Wolff, Bernard Gull, Uriel Segal, Maxim Vengerov y otros.

Sergey ha grabado para EMI Classics el Concertone para dos violines de Mozart, junto con Maxim Vengerov y la Orquesta de Cámara del Festival de Verbier, y en 2010 grabó para Naxos un nuevo álbum, que ofrece conciertos rusos menos conocidos, de Anton Arenski, Jules Conus y la primera grabación mundial del Concertino op 42 de Mieczyslaw Weinberg.

Entre 2007 y 2012 Sergey fue el primer concertino de la Orchestre de la Suisse Romande en Ginebra, Suiza.

Desde el año 2009, Sergey Ostrovsky es profesor de violín en la Haute École de Musique de Ginebra (conocida anteriormente como el Conservatorio de Ginebra), en Neuchâtel.

Adrián Luppi y Paula Villarroel

tangofestAdrián Luppi y Paula Villarroel, son una pareja que se forma en ámbitos de la danza muy diversos. Desde muy temprana edad y sin abandonarla, pasan por la danza clásica, el flamenco, el folklore argentino, el hip hop, claqué, danza contemporánea, performances, así como también musicalmente en percusión corporal y algunos instrumentos como la guitarra, el piano e incluso el sitar, de manera de enriquecer sus conocimientos sobre el Baile y la relación que éste tiene con la música. Mientras que Adrián actuaba con Mayumana durante un largo período y Paula se dedicaba enteramente a la pintura y a las performances, se conocen bailando Tango. Desde mayo de 2009 y después de muchos viajes a Argentina, a Buenos Aires, cuna del Tango, aprenden de los mejores maestros: Chicho Frúmboli, Gustavo Naveira, Sebastián Arce, por nombrar a algunos de los más destacados. Forman pareja de baile desde entonces, trabajan en Europa bailando en festivales de Tango de renombre. En 2012 ganan el Rising Star Contest del Rosso Art Tango Festival, competición de entre una selección de parejas venidas de toda Europa. Actualmente residen en España, Madrid, donde imparten sus clases.

El baile que proponemos es una tango de pista, improvisado siempre, confiando en que la adrenalina del presente saca siempre lo mejor de uno, el tiempo une. Generosidad, escucha y complicidad es algo que buscamos a la hora de comunicar dentro y fuera de nuestro abrazo. El juego reina en el intercambio y la plasticidad de los cuadros de Paula con la musicalidad de Adrián. Estos elementos aparecen como sello de un baile elegante y con fuerza. Contradicciones éstas en apariencia que se funden en el amor compartido por el Tango.

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